CONVERSACIÓN CON JOSÉ LUIS CRESPO FAJARDO

LUISA PILLACELA CHIN

Unidad Educativa Gabriel Cevallos García (Ecuador)

RESUMEN:

La revista «Estudios sobre Arte Actual » entrevista en esta ocasión a José L. Crespo Fajardo, artista interdisciplinar y estudioso de las artes, quien además de editor de esta publicación, actualmente desarrolla un proyecto de investigación en la Facultad de Arquitectura Universidad de Cuenca (Ecuador), dentro del marco del Proyecto Prometeo de la Secretaría Nacional de Investigación, Ciencia, Tecnología e Innovación del Gobierno de Ecuador (SENESCYT).

Palabras Clave: Entrevista, arte, creatividad, Cuenca, Ecuador.

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18.30 pm. Nos encontramos en la parte superior de la cafetería Monte Bianco, ubicada en una céntrica avenida de la ciudad de Santa Ana de los Ríos de Cuenca (Ecuador). Son sólo las seis de la tarde, pero el sayo obscuro de la noche ha caído como una flor marchita en tanto las luces de la ciudad titilan al prenderse como lejanas estrellas de neutrones. El Ph.D José L. Crespo Fajardo, alto y de cabello churón, llega puntual a nuestra cita para dialogar con la revista Estudios sobre Arte Actual, sobre todo lo concerniente a las actividades creativas y académicas en que ha venido desempeñándose durante los últimos años. De tal modo, en tanto nos sirve  el camarero sendas copas de capuchino (sin canela y sin crema, indica nuestro interlocutor), damos comienzo al diálogo de esta entrevista:

• Buenos tardes José Luis. Ante todo muchas gracias por acceder a concedernos esta entrevista. Para comenzar, ¿podrías hablarnos un poco sobre tu faceta como artista?

Buenas tardes. Lo cierto es que en los últimos años no he podido dedicarme a la práctica artística tanto como hubiera querido. Esto es debido a la necesidad de cumplir con responsabilidades docentes y de investigación  en diversos destinos: Universidad de Sevilla, Lisboa, Oxford y ahora en la Universidad de Cuenca, en Ecuador. En cualquier caso, el arte es una parte fundamental de mis actividades, y eso no lo puedo negar. En los últimos tres años he hecho doce exposiciones individuales en España, Portugal, Inglaterra y Ecuador, he sido comisario de dos muestras de estudiantes, y también he participado en alrededor de treinta exposiciones colectivas en todo el mundo. Ahora mismo estoy planificando tres exposiciones de fotografía, dos de las cuales -si la suerte es propicia- espero que puedan verse antes de finalizar este año.

• Por tanto, es notorio que te has dedicado especialmente a la fotografía, en especial realizando algunas exhibiciones junto a la fotógrafa Dolores Schoch. ¿Qué nos puedes contar sobre estas experiencias expositivas?

El proyecto junto a Dolores Schoch comenzó en enero de 2011, y en total hemos realizado nueve exposiciones juntos. Sobre la primera muestra, es anecdótico que surgiera debido a que la responsable de la sección de Cultura del Cabildo de La Palma, en Canarias (España), precisara rellenar un hueco en su calendario de eventos para la  prestigiosa Sala O’Daly. Nos ofreció el espacio, poniéndonos un plazo de una semana para preparar la exposición, y a pesar de las prisas pudimos presentarla a tiempo. Se tituló «De Puertas para Afuera», y trataba sobre la puerta como motivo fotográfico. En exposiciones subsecuentes retomamos esta idea, y aquí podemos destacar la muestra Toc-Toc, en la Escuela de Estudios Hispanoamericanos de Sevilla, que fue todo un éxito. Con posterioridad me gustaría reseñar dos exposiciones que creo que fueron de relevancia, una en la Universidad de Lisboa, titulada Localizaciones-Localizações, y otra en la Bodleian Library, bajo el nombre de Picturesque. Realmente fue un lujo y una suerte poder realizar esta última muestra en el marco incomparable y mágico de la Universidad de Oxford.

• ¿De las muestras que has realizado en los últimos años cuál es la que más satisfacción personal te ha supuesto?

Lo cierto es que podría hablar de mi primera exposición individual, titulada Imágenes del mundo flotante. Fue una experiencia muy grata. Se trataba de una treintena de dibujos en técnica mixta, y recuerdo especialmente la inauguración, a la que acudieron amigos y familiares. Hay que decir que sucedió algo anecdótico, y de lo que después he tomado lección. Yo invité a muchas personas e incluso hice una invitación a través de redes sociales anunciando que habría una recepción con brindis y un ágape. Por todo ello calculamos que acudirían unas cien personas, y con esta idea en mente preparamos muchísima comida. Lo cierto es que finalmente acudieron unas veinticinco personas, porque la verdad es que bastante gente no acude a estas citas aunque en principio digan que sí. Y esa fue la lección. En definitiva, tuve tortilla para el resto de la semana (Risas)

Por otro lado, sucedió justo al contrario en mi primera exposición como comisario: Impresiones, grabados y mordeduras. Entonces yo era profesor de la Universidad de Sevilla y organicé esta exposición colectiva de grabado en la Escuela de Arte de Nervión. Los artistas aportaron cada uno cosas de comer y beber para la recepción, y a la vista de que sólo iban a venir familiares, les pedí in extremis que enviaran mensajes de texto y de wasapp a todas sus amistades para que se acercaran a la  inauguración. La inmediatez funcionó mejor de lo que pensaba, y la recepción fue un éxito en cuanto a público. Recuerdo a un amigo profesor de de la Escuela de Arte de Sevilla que me decía -con ojos abiertos como platos- que nunca habían recibido a tanta gente en una inauguración.

• No pasamos por alto tu formación artística interdisciplinar, habiendo ejecutado también exposiciones de pintura, dibujo y grabado. ¿De todas ellas con qué disciplina te sientes más a gusto?

Tengo que reconocer que me gustan todas las artes del dibujo. El grabado fue un arte en el que me desempeñé mucho entre los años 2005 y 2007, aunque debido a su laboriosidad no he podido continuar elaborando las obras en gran formato que solía realizar, a veces pasando despierto la noche entera. De aquí surgió la serie «Lo que hay en tus ojos», que se expuso por primera vez en el MAB, en las Islas Canarias. Recuerdo que para elaborar cada matriz de xilografía necesitaba aproximadamente una semana, pero era necesario para lograr un resultado de buena calidad. Por otro lado, desde el inicio enfoqué mi carrera hacia el dibujo, y de hecho mi doctorado lo obtuve en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, en el programa «El dibujo como base de las artes plásticas».

• ¿Y por qué escogiste el dibujo para orientar tu carrera?

Porque el dibujo es para las artes lo más esencial, y a la vez lo más importante. Aprender a dibujar implica tener una base sólida para desarrollar otras disciplinas de mayor complejidad. Aprender a dibujar es aprender a ver, aprender a pensar, aprender a planificar… También me llamaba la atención el hecho de que el virtuosismo del dibujo sea algo que se está perdiendo actualmente, conforme la ruptura del arte vanguardista con la tradición académica se convierte en la norma a seguir por la mayoría de los profesores.

• ¿Crees que el arte se valora ahora más que en el pasado?

Esa es una pregunta con muchos flecos. Podría considerarse que hoy se valora más si pensamos en las altas cotizaciones de las obras en las subastas de Sotheby’s, pero por otro lado la gran mayoría de los artistas apenas logran subsistir. En realidad son pocos los elegidos para ingresar en las filas del mercado del arte primario. En el pasado apreciamos lo mismo. Los artistas eran pobres salvo aquellos que por su éxito lograban el beneplácito de aristócratas y benefactores.

• ¿Al elaborar una obra, ya sea grabado, dibujo o fotografía, sigues algún planeamiento previo o bien prefieres improvisar y captar lo espontáneo?

Lo cierto es que no suelo programar nada cuando se trata de fotografía, aunque sí hago mucho retoque digital. En cuanto al grabado, la experiencia me dice que es necesario hacer un estudio previo de la composición, sobre todo porque la imagen definitiva en una xilografía es una imagen invertida, así que hay que tener esto muy en cuenta.

• Tus obras parecen enfocarse más a temas interiores, poéticas del espíritu, planteamientos oníricos. ¿Estoy en lo correcto?

Es posible. A menudo cuando dibujo lo hago desde una perspectiva surrealista, que como corriente artística tiene origen en los sueños. Por otro lado, en ocasiones una imagen realista como la fotografía puede estar envuelta en una atmósfera irreal, haciendo uso por ejemplo de filtros y efectos de retoque digital. Sobre este sentido mágico de las imágenes fotográficas trata una exposición que ahora estamos preparando para la Alianza Francesa, donde se muestran fotografías elaboradas con filtros HDR.

• A propósito de tu libro «Hokusai: dibujo, estampa y libro ilustrado», he tenido ocasión de conocer un poco su interesante vida y obra. ¿Por qué decidiste escribir un libro sobre este autor?

Cuando terminé el doctorado necesitaba un cambio de orientación en mis intereses. Necesitaba embarcarme en otros temas que me produjeran placer intelectual. Me interesaba la estampa japonesa, con ese mundo de historias de geishas, samuráis y actores de teatro Kabuki que la rodeaban. Elegí a Hokusai porque era un creador que a pesar de su fama no cuenta con suficiente bibliografía en español, por lo que consideré que el escribir un librito en nuestro idioma con datos, información y anécdotas sería positivo para la comunidad científica. Utilicé, por tanto, mucha documentación en inglés, traduciendo y desarrollando un discurso correcto e interesante. Mi proyecto era seguir elaborando monografías sobre Utamaro e Hiroshige, pero por cuestiones laborales he tenido que abandonarlo y dedicarme a otras cuestiones. Espero poder retomar esta empresa algún día porque disfruté mucho escribiendo sobre la estampa japonesa.

• Para terminar, una pregunta clásica ¿Cuál es tu definición del arte?

Creo que el arte es parte de la condición humana.  El ser humano tiene una faceta muy importante que alimentar, que es su fantasía, su imaginación, y el arte es ese alimento.

Muchas gracias.

En Santa Ana de los Ríos de Cuenca

Julio de 2014